Главная

yandex

rambler

google

Крепости Керчи

Гостевая книга ( P )

Обратная связь

Материал с сайтов: http://www.levkinblog.com/2010/01/blog-post_23.html

                                  http://www.staratel.com/pictures/rafael/pic7.htm

                                  http://www.nearyou.ru/100kartin/100karrt_48.html

 

ЗАГАДКИ ЖИВОПИСИ И СКУЛЬПТУРЫ.

 

Фильмы в тему.

 

'Исторические хроники' с Николаем Сванидзе. 1913 год. Илья Репин.

 

Василий Суриков.

 

 

 

Подпасок с огурцом.

 

 

 

Возвращение святого Луки. Документальный и художественный фильмы.

 

 

 

 

Нераскрытые тайны (Загадка портретов кисти Ильи Репина).

 

 

Оправдывая Репина.

 

   В предложенных Вашему вниманию фильмах, упорно муссируется слух о том, что у Ильи Ефимовича Репина была "несчастливая" кисть. Что все те, чьи портреты он писал умирал в этом же году. Так случилось с Мусоргским, Пироговым.... Отчасти это правда. Правда заключается в том, что они действительно умирали. Однако авторы фильмов умалчивают о том, что Илья Ефимович писал тяжело больных людей, стараясь оставить потомкам их последние дни жизни... .

 

repin-musorgsky+.jpg

 

Портрет М. П. Мусоргского - Илья Ефимович Репин. 1881. Холст, масло. 69х57


   Среди портретов кисти Репина, эта работа занимает особое место. Как известно, мастер писал этот портрет за несколько дней до смерти великого композитора, что придает работе особую драматичность и глубину.

   Перед нами очевидно серьезно больной человек: нездоровая краснота лица, блестящие глаза. Автор концентрирует внимание зрителя именно на лице композитора, словно пытаясь передать секрет гения Мусоргского. Взъерошенные волосы, запущенная борода с усами, не отвлекают нас от главного, от взгляда композитора. В его глазах читается печаль, тоска. Одновременно с этим, это глаза энергичного и сильного человека. Больничный халат, вышитая рубашка написаны художником схематично, они не подчеркивают болезненность, а призваны служить обрамлением главного - лица, головы, вызывающий поворот которой позволяет думать, что до последнего мгновения жизни этот человек боролся со своим недугом.

   Фон на портрете "пустой", свободный от всяких деталей. Можно подумать, что Мусоргский изображен на фоне облаков. Создается ощущение грандиозности и величия изображаемого. Он сам как его музыка: особенная, неукротимая, мощная, неповторимая. Эта музыка звучит в его глазах. Там же и незаконченные произведения, невоплощенные идеи, музыка, которую он уже никогда не сочинит...

 

С сайта: http://muzei-mira.com/kartini_russkih_hudojnikov/1347-portret-musorgskogo-repin-1881.html

foto_quadri_09.jpg

 

Портрет Н.И. Пирогова - Илья Ефимович Репин. 1881. Холст, масло.

 

Портрет Н. И. Пирогова был написан в мае 1881 году, за несколько месяцев до смерти великого русского хирурга и ученого. В эти в Москве торжественно отмечался пятидесятилетний юбилей профессиональной деятельности Пирогова. Гениальный хирург согласился позировать Репину, несмотря на плотный график мероприятий.

Впоследствии Репин вспоминал, как захватили его талант и своеобразие личности портретируемого, и как легко и быстро ему работалось. На создание великолепного законченного портрета понадобилось всего три сеанса.

Технику, в которой написан портрет, отличает невероятное мастерство. Мазки – легкие, естественные – словно не образуют сами форму, а только непринужденно ее обхватывают, словно одежда облегает тело.

Портрет Н. И. Пирогова – не только художественный, но и глубоко психологический. Репин показал не просто старого человека (Пирогову было 70 лет) – он сумел донести значение личности великого основателя военно-полевой хирургии, гуманиста и ученого. Магия репинской живописи велика – полотно пронизано духом безмятежности и бессмертия.

 

 

С сайта:http://www.detskiysad.ru/art/kartina185.html

 

А это, некоторые портреты тех людей, которые не побоялись "сглаза" Репина и с удовольствием ему позировали.

 

Портрет художника Василия Ивановича Сурикова - Илья Ефимович Репин. 1877. Холст, масло. 62,5х215

 

surikov-repin+.jpg

 

Годы жизни: 1848-1916

Портрет Павла Михайловича Третьякова - Илья Ефимович Репин. 1883. Холст, масло. 98х75,8

 

tretyakov-pavel-repin+.jpg

 

Годы жизни: 1832-1898

 

Портрет писателя Леонида Николаевича Андреева - Илья Ефимович Репин. 1904. Холст, масло. 76х215

 

leonid-andreev-repin+.jpg

 

Годы жизни: 1871-1919

Портрет Льва Николаевича Толстого - Илья Ефимович Репин. 1887. Холст, масло. 124х88

 

lev-tolstoy-repin+.jpg

 

Годы жизни: 1828-1910

 

 

 

И В ШУТКУ И ВСЕРЬЁЗ.

 

 

Подробнее

 

   Многим, наверное, известна ставшей поговоркой фраза: "Картина Репина: "ПРИПЛЫЛИ". Но что это за картина? Как она выглядит? И существует ли она в действительности? Оказывается существует!

   Итак, сюжет. Небольшая речка за деревенской околицей.  Видны края двух берегов и часть реки между ними. На этой видимой части пленера, на обоих берегах, и в воде целая толпа деревенских женщин, большей частью обнаженных. Этакая летняя женская летняя помывка-купание. Кто-то плавает, кто-то полощется, кто-то раздевается, кто-то вытирается. У всех хорошее настроение. Шутки, смех, веселые улыбки. В общем, баня, женское отделение.
   И - в это пятно въезжает лодка с шестью монахами. Поражал не столько сам сюжет, сколько переданное художником изумление и первые эмоции на лицах участников этой встречи.

   Однако существует версия, что картину, о которой идет речь написал не И.Репин, а Соловьев Лев Григорьевич (1839-1919). Картина называется "Монахи ("Не туда заехали")". Датируется 1870-ми годами. Холст, масло. 52 см х 78,5 см.

 

Ещё о загадках живописи Ильи Ефимовича Репина

 

 

КАЮЩАЯСЯ МАРИЯ МАГДАЛИНА (ЭЛЬ ГРЕКО)

 

Ефим Шифрин Кающаяся Магдалина.

 

 

 

ТАЙНЫ ДВУХ КАРТИН.

 

 

   Перед вами известная картина Василия Поленова "МОСКОВСКИЙ ДВОРИК". Слева полный вариант картины, а справа - небольшой, но важный фрагмент, изображающий торец старого дома.  

 

Подробнее

 

 

 

   Этот дом фигурирует ещё в одной картине художника, а именно - "БАБУШКИН САД". Сравните две картины, и вы увидите, что на одной и второй из них присутствуют один и тот же деревянный дом с колоннами, одни и те же окна, одна и та же берёза справа, печные трубы на крыше. Можно сделать вывод, что две совершенно разные картины представляют собой одно целое. Впрочем, сравните сами.

 

 

 

 

 

Германия. Дрезденская галерея.

 

ТАЙНА СИКСТИНСКОЙ МАДОННЫ РАФАЭЛЯ.

 

Подробнее

 

 

Сцена. Занавес раздвинут. Из глубины сцены на облаке на нас движется мать с ребенком. Вокруг голубые головки. Ниже слева – папа Сикст-IV, справа – св. Варвара. Внизу, опираясь на борт – два ангелочка. Слева на борту стоит тиара папы.
 


Описание "Сикстинской Мадонны":


   Рассмотрим картину. Прежде всего, мы в театре и перед нами сцена. Взвился вверх первый занавес. Впереди, облокотившись на рампу, подперев пухлыми ручонками головы, стоят два мальчика-ангелочка с крылышками, как у бабочек, и смотрят вверх отрешенными, безразличными глазами. Немного в глубину сцены слева боком к нам стоит старик с тонзурой в белой длинной рубашке и светло-коричневом саккосе (золотой парчовой мантии) с красным подбоем. Рядом, на бортике, его тиара. Он изображает папу Сикста-IV. Справа, лицом к нему, опираясь на вытянутую левую и полусогнутую правую ногу с крутым бедром, стоит прелестная юная пухленькая девушка. Сквозь шарф и платок Варвары проступает крутая полнота ее тела в туго охватывающей ее одежде. В наряде Варвары – все краски картины, но доведенные до максимальной яркости. У нее квадратное лицо, острый подбородок, широко расставленные глаза, аккуратный прямой нос, короткая верхняя губа. Волосы перехвачены лентами. Одним словом, красавица. На ней солнечно-желтая кофточка, оставляющая наполовину открытыми плечи, пышная в рукавах, у локтей – ослепительно синяя. Серый узкий шарф, зеленая накидка, темная юбка. Она – в роли св. Варвары. (Ей приписывают дар спасать от внезапной и насильственной смерти. Может быть, Рафаэль предчувствовал свою короткую жизнь). Старик и девушка стоят лицом к лицу в метре друг от друга.
  
Раздвинулись в стороны середины тяжелых темно-зеленых занавесей в глубине сцены. Все пространство за ними заполнено синими младенческими головками. Клубящееся белое облако сверху вниз и к нам несет на себе высокую молодую женщину в ярко-голубом плаще. Прижимая к себе, она держит на руках полуторалетнего голенького пухлого сына, толстощекого, взъерошенного. Он сидит на руках как в креслице, по взрослому опираясь на согнутую ногу. В глазах любопытство, взгляд младенческий, не совсем осмысленный. Но мать полна тревоги. У нее чуть вытянутое прямоугольное лицо, мягко очерченный подбородок, схожее с лицом девушки – св. Варвары, но более удлиненное. Небрежная женская прическа. Глаза широко раскрыты и в них неуверенность, беспокойство, страх. Она несет ребенка, чтобы отдать его в жизнь, боль оттого, что не во власти воспротивиться неизбежному, бессилие перед неотвратимым и вынужденное смирение. Красное платье сердечной тревоги, широкая свободная темно-синяя накидка в контраст красному и оттеняя его, нежный полупрозрачный шарф на плече, коричневый платок надувается ветром и охватывает мать по пояс и ребенка в единое целое. Высокая талия. Чуть согнутая в колене нога подчеркивает стройную фигуру. Облако времени несет мать и ребенка на нас.
Старик повернул голову вверх, глядя на лица матери и ребенка. Левую руку прижал к груди, разделяя ее тревогу. Правую руку протянул к нам и чуть вверх, вытянув указательный палец. Девушка, при появлении матери повернула к нам и опустила голову, устремив глаза вниз.
   Каково содержание "Сикстинской Мадонны"? Из множества младенческих душ, кружившихся в небе, одна материализуется, становится младенцем. Неумолимое облако времени выносит мать с младенцем на сцену жизни, с ее болезнями, обидами, неожиданностями, тревогами и потерями. Страх матери перед неизвестным и невозможность навсегда удержать сына около себя и оградить от бед. Можно избежать, говорит религия в лице папы-старика, многих неприятностей, потерь, тревог, если следовать путем Бога, его заповедям, его примеру. Высокие духовные предписания будут опорой неопытной душе на всем жизненном пути. Живи, говорит девушка-прелесть и земля, радостями и безумствами, увлечениями и разочарованиями, живи земной жизнью ты, рожденный землей. Не отвергай духовную мудрость старика, но соедини ее с творчеством, искусствами, красотой, чувствами, с любовью земных прекрасных женщин, и в этом вторая мудрость жизни.
Конец: два служебно-отрешенных, привычно-равнодушных ангела примут оставившую свою тленную земную оболочку душу, прожившую долгую жизнь бывшего пухленького малыша и он снова вольется в бесконечный водоворот призрачных синих небесных головок-душ.
   Идею и композицию "Сикстинской мадонны" Рафаэль заимствовал у Леонардо, но это и обобщение его собственного жизненного опыта, изображений и размышлений над мадоннами, местом религии.

 

 



"Код Рафаэля".

 

 

 

 

   У одного из персонажей картины Рафаэля “Сикстинская Мадонна” на руке шесть пальцев? Сто раз видели этот шедевр, но не обращали внимание на руку мужчины слева? А многие обратили внимание и насчитали у Святого Сикста-II, папы римского, на правой руке именно шесть пальцев. Посмотрите сами – кликните здесь, чтобы  увеличить картинку.

   Что это – шутка великого художника, его ошибка или такой замысел? А может быть “код да Винчи”, то есть “код Рафаэля”? В качестве объяснения обнаруженной аномалии некоторые ссылаются на имя “шестипальцевого” персонажа – Сикст, что в переводе с латинского означает “Шестой”.

 

 

 

Двуликая Даная.

 

fullsize.jpg

 

Рембрандт Харменс ван Рейн, «Даная», 1636 — 1647.

 

flora-large.jpg

99916.jpg


   Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии — супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс — любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

 

 

Беззубое совершенство.

 

fullsize 2.jpg

 

Леонардо да Винчи, «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», 1503 — 1519.


   Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза — совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так „улыбается“ именно из-за того, что произошло с нею, — считает эксперт. — Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».
 

 

 

Майор на фейсконтроле.

 

gal270_8.jpg

 

   Публика, впервые увидевшая картину «Сватовство майора», смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

 

 

 

Неквадратный квадрат.

 

fullsize 3.png

Казимир Малевич, «Черный супрематический квадрат», 1915.

   На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет — это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму

С сайта: http://obiskusstve.com/508417048964238302/10-tajn-znamenityih-kartin/?utm_source=mailru&utm_medium=email&utm_campaign=daily&utm_content=button

 

 

"ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ" АЛЕКСАНДРА ИВАНОВА.

 

Александр Иванов "Явление Христа народу". 1837-1857 годы

Подробнее

 

Мало кто знает, что в своей знаменитой картине: "Явление Христа народу" Александр Иванов изобразил Николая Васильевича Гоголя. Вон он, ближе всего к Христу в светло коричневом халате. До этого, в таком же халате он изобразил его на своём портрете.

 

 

 

Большую часть своей жизни русский художник Александр Иванов провел в Италии. В России вспоминали о нем время от времени, когда в печати появлялись сообщения людей, посещавших его мастерскую в Риме. Посланный за счет Общества поощрения художников, А. Иванов в благодарность прислал ему свою картину "Явление Христа Марии Магдалине". Она сразу же поставила его в ряд с лучшими русскими художниками и, будучи выставлена в Академии художества, исторгала у зрителей слезы.

В ней, как и в более раннем прекраснейшем произведении "Аполлон, Гиацинт и Кипарис", были воплощены раздумья художника о преображении человека при соприкосновении с возвышенным, будь то величие человека или красота природы. Отсюда рождается и замысел прославленной картины "Явление Христа народу", работа над которой относится к началу 1837 года.

Об этой картине русская публика впервые узнала из письма Н.В. Гоголя, а до этого она была известна только людям, бывавшим в Риме. Все хотели видеть ее, но в течение десяти лет двери мастерской Александра Иванова были закрыты для публики. Большие произведения других художников тем временем вывозились из Рима, авторы их становились знаменитыми и богатыми, а Александр Иванов оставался по-прежнему одинок, беден и заточен в своей скромной келье-мастерской. Перестали даже уже и осаждать его просьбами - пустить посмотреть картину, над которой он трудился в течение двадцати лет.

А. Иванов вел в римской студии уединенную, затворническую жизнь в продолжении многих лет. Об этом же сообщал и Н.В. Гоголь в своем письме: "Иванов не только не ищет житейских выгод, но даже просто ничего не ищет; потому что уже дав но умер для всего остального мира, кроме своей работы".

И вдруг разнеслась по Риму молва об открытии мастерской. Тут-то мастерская художника разом наполнилась народом: начиная от первого князя до самого последнего работника, весь Рим устремился в нее. Художники всех наций и направлений стекались толпами, и уже не было ни о ком разговоров, кроме как о русском художнике А. Иванове и его картине. Сам маститый и пользовавшийся в то время большим авторитетом П. Корнелиус несколько раз пожимал руку русскому художнику и повторял: "Un valoroso maestro!" ("Вы - большой мастер!"). Даже И.Ф. Офер-бек, который привык видеть в А. Иванове робкого ученика, внимательно прислушивавшегося к его советам, "провел несколько часов перед оконченным произведением и только в состоянии был произнести: "Кто бы мог подумать: Иванов нас надул!"

Содержание картины всем более или менее известно. Иоанн Предтеча, крестящий иудейский народ на берегу Иордана во имя ожидаемого Спасителя, вдруг видит идущим Того, во имя Которого он крестит.

Бледное, исхудалое лицо Иоанна Предтечи, его огненный взор и страстные речи, все движения этой прекрасной, величественной фигуры потрясают присутствующих и страхом, и надеждой. На Иоанне Крестителе короткая одежда из верблюжьего волоса, опоясанная кожаным поясом, сзади с плеч спадает желтоватая мантия. Своими духовными очами Иоанн Предтеча прозревает идущего вдали по береговой возвышенности Мессию. Весть эта произвела сильное волнение среди собравшегося народа, этот момент А. Иванов и изобразил на своей картине.

На полотне зритель видит идущих с холма  холма людей, а также уже совершивших омовение и располагающихся слушать пророка. А он говорит о том, что нужно встретить некоего гостя, который еше вдали, но скоро будет здесь, хотя еще не все обстоит так, как должно быть. Обращаясь к толпе, среди которой были уже и учителя этого народа (фарисеи, саддукеи и др.), он восклицает: "Порождения ехидны! Кто внушил вам бежать от будущего гнева? Сотворите же плоды, достойные покаяния!" Все вмиг подчиняются его словам и устремляют свои взгляды в ту сторону, откуда тихим, но твердым шагом идет по земле Он.

 

А теперь, посмотрите внимательно на отражение юноши и старика в воде. На старике светлая повязка. А какого цвета от неё отражение? В этом заключается одна из загадок картины. Впрочем, её легко разгадать, если посмотреть на один из этюдов к картине. На нём отчётливо видно, что первоначально старик был в красной повязке, которая позже была заменена на светлую, а отражение в воде художник забыл заменить... .
 


Академик А.Н. Мокрицкий еще в середине прошлого века отмечал, что "сюжет, взятый художником для своей картины, есть один из самых высоких, самых священных, которые существуют в понятиях христианства. Пришествие Спасителя есть начало Его благодати миру, приближение момента обновления человека".

Действительно, это не просто случившееся между прочим появление обычного странника на пустынной дороге. Этот момент наступления нового мира, шествие времени, когда следует оглянуться на прошлое и испытать его перед лицом будущего, открывает смысл всех проповедей Иоанна Крестителя. В этом и состоит суть объединения А. Ивановым двух моментов в один сюжет - пророчества и явления.


Художник мечтал о том, чтобы поместить свою картину в храм Христа Спасителя, который строился в Москве, и написал для него эскиз заалтарного образа («Воскресение», 1845). Однако романтическая эстетика взяла верх над религией и автор несколько охладел к своему честолюбивому замыслу, хотя и довел его до конца. Гораздо более непосредственно его поэтика сказалась в цикле библейских акварелей и рисунков (1850-е, в основном в ГТГ и ГРМ). Эпическая ритмика по-древневосточному архаичных фигур сочетается здесь с феерическими цвето-световыми эффектами, предвосхищающими искусство символизма. По-своему эпохальны многочисленные этюды к «Явлению Христа», ставшие для многих поколений русских художников истинной школой реалистического постижения натуры.


На первом плане полотна, справа, стоит нагой человек, который уже готовился надеть платье, как вдруг услышал благую весть. Горячая душевная радость и умиление выразились на его лице, а глаза наполнились слезами. Это лицо так изумительно написано художником, что зритель как будто видит дрожание мышц на его лице, во всем движении его так и оставшегося обнаженным тела чувствуется трепетная радость.

Рядом с ним стоит отрок со сложенными руками, может быть, его сын. Еще не вполне понимая значения слов грозного пророка, он с напряженным вниманием и затаенным страхом смотрит на Иоанна. Мальчик до того дрожит, что, кажется, будто слышно, как щелкают его зубы. Одной этой группы было бы достаточно, чтобы обессмертить имя художника. В этом отроке как будто уже предчувствуется будущий христианский мученик.

Несколько человек в этой группе повернулись в ту сторону, куда указывает Иоанн, другие же остались стоять, как и прежде. В толпе видны надменно хмурые лица окаменелых сердцем книжников и фарисеев. Далее - кроткие, скорбные женские лица.

Некоторые из них видны только частями - или одним ртом, или глазами, но это написано так выразительно, что зрителю кажется, будто он видит все лицо.

Недаром А. Иванов разыскивал по всей Италии натурщиков, похожих на жителей древней Иудеи, и писал с них бесчисленные этюды на вольном воздухе, при свете солнца. В героях своей картины он хотел видеть не внешнюю красоту, а глубокую правду чувств и характеров, "старался на лицах всех людей, с какими ни встречался, - говорил Н.В. Гоголь, - ловить высокие движения душевные". Художник посещал синагоги и церкви, чтобы наблюдать молящихся, потому и находит зритель среди этих людей, собравшихся на каменистом берегу Иордана, под сенью дымчато-зеленой листвы олив, поборников и противников новой веры, колеблющихся и безучастных, надеющихся и любопытных, смелых и робких, злых и добрых, богатых и нищих, закоренелых стариков-упрямцев и жаждущих истины юношей...

Особое значение придавал А. Иванов достоверности и выразительности пейзажа. Он "просиживал по нескольку месяцев в нездоровых понтийских болотах и пустынных местах Италии, перенес в свои этюды все дикие захолустья, находящиеся вокруг Рима, изучил всякий камешек и древесный листок". В первую очередь поражает композиционное мастерство, с которым Иванов обращает множество четко индивидуализированных персонажей к единой возвышенной цели.

На весьма выгодном для картины отдалении идет по жесткому каменистому пути Тот, путь Которого должен был быть усеян цветами. Тихим и твердым шагом идет Он взять на Себя грехи всего мира и умереть на кресте. Как мог художник в фигуре Спасителя (и на таком расстоянии) выразить его божественную мудрость, величие, кротость духа и решимость на подвиг?

И здесь зритель видит могущество рисунка и линий, которыми А. Иванов изображает Того, кто несет миру свет истины, милосердие и утешение. Ни в одной черте нет противоречия понятиям, почерпнутым из Евангелия, все в Нем изобличает Его божественное происхождение, все говорит о том, что Человек Сей - не от мира сего. Даже неясность в очертаниях лика Христа была в намерениях художника, чтобы не останавливать зрительского воображения. Непостижимость Духа Божия не мог вполне объять дух никакого смертного и представить Его, каким Он есть. Сам апостол Павел в Первом Послании Коринфянам писал: "Теперь мы видим как бы сквозь тусклое стекло, гадательно...".

Шаг Христа в картине А. Иванова направлен прямо к группе "грешников", возглавляемых фарисеями. В первоначальных живописных эскизах Спаситель был изображен идущим навстречу Иоанну, но впоследствии художник изменил направление Его движения. Возможно, в этом следует видеть намек на слова Евангелия: "Я пришел не праведников, но грешников призвать к покаянию". Изменив направление движения Спасителя, А. Иванов драматизировал свое художественное повествование: движение Искупителя было тем самым наделено значением неумолимо приближающегося приговора.

Двадцать лет трудился А. Иванов над своим полотном. Для таких произведений недостаточно одного гения художника и познаний им искусства, необходимо еще высшее настроение духа и способность неотлучно пребывать с идеей, пока она вполне не созреет в уме и не выразится художественными средствами на полотне. Именно таким был А. Иванов, это просвечивало даже в его кротких глазах, утомленных работой. Он отказался от заманчивых надежд славы и богатства, как отшельник, погрузился в созерцание своей идеи и только в окончании труда видел для себя награду.

В последние годы своего пребывания в Риме художник был занят хлопотами. Ему предстояло доставить в Санкт-Петербург холст огромных размеров (высота - 540 см, ширина - 750 см). А. Иванов решил следовать за своей картиной, поэтому его путешествие из Рима в Петербург было делом хлопотным.

В мае 1858 года картина А. Иванова "Явление Христа народу" наконец прибыла в Петербург. Специальным именным постановлением художнику было предоставлено право самому отыскать подходящее место для экспозиции своего произведения. Его выбор остановился на так называемой "аванзале крещенского подъезда" (Белом зале) Зимнего дворца. Отсюда позднее полотно предполагалось перенести в Испанскую галерею Эрмитажа для всеобщего обозрения.

В среду 28 мая 1858 года "Явление Христа народу" было показано членам императорской фамилии, высшим представителям государственной власти и президенту Академии художеств великой княгине Марии Николаевне, дочери Николая I. А. Иванов потом вспоминал, что Александр II подал ему руку и долго расспрашивал о картине. Никаких отрицательных отзывов со стороны царя или кого-нибудь из его приближенных не последовало, однако через несколько дней всем стало ясно, что картина А. Иванова "не поразила двор, как картина Брюлло".

Последствия этого вскоре дали о себе знать. Так, 3 июня А. Иванова не удостоил принять в Царском Селе гофмаршал императорского двора граф Шувалов, "который был в ту минуту болен и выслал сказать через секретаря, что картина не можа оставаться более во дворце и что ее нужно отправить в Академию".

Известие это произвело на А. Иванова очень неприятное впечатление. 9 июня картина была перенесена в Академию художеств и вскоре открыта для обозрения публики. Как только стало ясно, что царский двор не оказывает художнику никакого покровительства, отношение к его картине со стороны официальных ценителей резко изменилось. И тут А. Иванова подстерегал еще один неожиданный удар. В журнале "Сын Отечества" появился резкий отзыв В. Толбина о его картине. Официальные академические круги высказали свое резко негативное отношение к картине, утверждая, что автор не оправдал надежд и ожиданий. Многие маститые академики ожидали увидеть еще одну историческую картину в старом, привычном для них роде живописи. Вместо этого перед ними предстало нечто совершенно новое, не похожее на знакомые им образцы, нечто такое, что они не в состоянии были ни понять, ни оценить. Александр Иванов смело отступил в своем полотне от присущей исторической картине традиционной академической композиции, которая требовала обязательного разделения всех персонажей на искусственные группы, наподобие театральных мизансцен, каждая из которых с предельной наглядностью должна была раскрывать определенные мысли и чувства. Другое обвинение В. Толбина заключалось в следующем. Несмотря на то, что художник много внимания уделял строгому, академическому изучению натуры, он недостаточно согласовал фигуры в картине, особенно обнаженные, с античными статуями, считавшимися неоспоримыми образцами для подражания.

Кроме того, по столице поползли слухи, что царь хочет дать за "Явление Христа народу" вместо предполагавшихся 30 тысяч только 10 или даже 8. От бессмысленных хлопот, унижения и равнодушия художник безмерно устал. После очередной поездки ко двору, в Петергоф, где его снова не соизволили принять, он слег. А три дня спустя, 3 июля 1858 года, Александр Иванов скончался. Словно в насмешку, через несколько часов после смерти живописца явился посыльный с конвертом из придворной канцелярии и уведомил, что царь приобретает картину за 15 тысяч и милостиво жалует Иванову орден Святого Владимира.

Молодое же поколение отнеслось к художнику и его вдохновенному труду восторженно. Иван Крамской, тогда еще ученик Академии, свои впечатления от картины А. Иванова записал в статье "Взгляд на историческую живопись"; на молодого профессора Академии П. Чистякова встречи с художником и его картина произвели неизгладимое впечатление. Славянофил А.С. Хомяков писал: "Видеть картину Иванова не только наслаждение, но гораздо большее: это событие жизни".

 

Теперь главное полотно великого мастера выставлено в новом зале Третьяковской галереи, возведенном на месте внутреннего двора. По обе стороны от него (а также в специальном небольшом помещении) расположены многочисленные этюды к нему.

 

 

 

РЕМБРАНДТ. "НОЧНОЙ ДОЗОР" ИЛИ "ДНЕВНОЙ ДОЗОР"?

 

 

 

Рембрандт. "Ночной дозор" - История и загадки картины.

 

Частная жизнь шедевров Ночной дозор Рембрандта.

 

 

Рембрандт. Дневной дозор.

 

Nederland in Beelden editie 2008

 

   А знаете ли вы, что одна из самых известных картин Рембрандта «Ночной дозор» вовсе не предполагалась художником как «ночной дозор». Когда в 1642 году Рембрандт писал эту картину, он изобразил на ней стрелковую роту капитана Франса Баннинга Кока, солдаты которой выходят под развевающимися флагами на залитую солнцем площадь. Однако когда полотно было обнаружено в XIX веке, оно настолько потемнело от копоти и толстого слоя лака, что никаких сомнений в том, что действие картины разворачивается ночью, у исследователей просто не было. Так она и получила свое название. И только при реставрации в 1947 году выяснилась правда.

   Интересна история этой картины. Она должна была быть групповым портретом. По крайней мере именно его заказывало Рембрандту Стрелковое общество. Портрет предполагалось повесить в парадном зале Стрелкового общества. Заказчиков было 18 человек, все они должны были оплатить свою часть гонорара художнику. По правилам написания парадных портретов именно их и только их художник должен был изобразить на картине. Однако, ради целостности композиции Рембрандт отступил от общепринятых канонов и написал в общей сложности 34 фигуры. Это вызвало крайнее недовольство заказчиков, так как в результате часть изображенных оказалась на заднем плане, лица некоторых вообще неузнаваемы. В результате картина была помещена не на то место, которое планировалось для нее изначально, для чего пришлось обрезать ее края, а деньги за картину Рембрандту долго не хотели отдавать.

 

С сайта: http://znaeteli.ru/2010/02/rembrandt-nochnoj-dozor-ili-dnevnoj-dozor/#more-1557

 

 

 

Чужие мишки.

 

fullsize.jpg

 

Иван Шишкин, «Утро в Сосновом лесу», 1889.

 

Иван Шишкин.

Константин Савицкий


   Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.
Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

 


 

«Не ждали» Илья Репин.

 

fullsize 2.jpg

fullsize 3.jpg

 

   У картины «Не ждали» есть два варианта. Первый из них был начат в 1883 году, и на нем возвращающейся в семью была изображена девушка-курсистка. Эта картина была написана маслом по дереву.
   На второй картине, написанной в 1884–1888 годах, изображен момент неожиданного возвращения домой политического ссыльного. Мальчик и женщина за фортепьяно (видимо, его жена) рады, девочка смотрит настороженно, горничная — недоверчиво, в сгорбленной фигуре матери на переднем плане чувствуется глубокое душевное потрясение.

 

 

ПЁТР ПЕРВЫЙ - ПОТОПИЛ СВОЙ ФЛОТ.

 

 

   А знаете ли вы, что Петр-I, установленный Церетели в центре Москвы, судя по деталям памятника, победил собственный флот? Вообще, в этом памятнике много удивительного. Доподлинно неизвестно, кто стоит на постаменте – Петр или переделанный Колумб. Многие считают, что в 1991-92 годах Церетели безуспешно пытался продать памятник США, Испании и странам Латинской Америки к 500-летию открытия Колумбом американского континента. Интересна одежда Петра: чулки – эпохи Колумба, ботфорты – петровские, выше – то ли римские латы, то ли средневековые одежды испанского гранда.

   Удивителен и постамент. Он выполнен в виде ростральной колонны. Эти колонны были придуманы римлянами. Ростр – таран на носовой части римского военного корабля. По традиции, колонны устанавливались в честь победы и украшались снятыми с захваченных кораблей рострами. В эпоху классицизма появились такие колонны в Петербурге. Постамент памятника Петру в Москве тоже украшен рострами, только не трофейных вражеских кораблей. Каждый из ростров увенчан Андреевским флагом! Выходит, что Петр успешно воевал с собственным флотом!

   Осмелевшие после отставки Лужкова, москвичи провели акцию сбора подписей против памятника под веселым лозунгом: «Здесь Вас не стояло». Но, к сожалению, стоимость демонтажа 96-метрового памятника (это самая высокая статуя в мире) слишком велика – около 1 млрд. рублей! Так что постоит еще церетелевский Петр. Недаром московские экскурсоводы говорят: «Пушкин – это наше все, а Церетели – это наше везде».

Источники: Wikipedia (Петр I, Церетели).

 

С сайта: http://znaeteli.ru/2011/06/zagadochnyj-ispolin/#more-3062
 

 

 

ЕЩЁ ОДНА ИЗ ЗАГАДОК, А ИМЕННО, - ВНЕШНЯЯ СХОЖЕСТЬ ИЗОБРАЖЕНИЯ ЗЕВСА-ГРОМОВЕРЖЦА И ИИСУСА ХРИСТА.

 

 

 

 

 

Рогатый Моисей.

 

fullsize.jpg

 

Микеланджело Буанаротти, «Моисей», 1513-1515 г.

 

 

   Микеланджело изобразил на своей скульптуре Моисея с рогами. Многие историки искусства объясняют это неправильным толкованием Библии. В Книге Исхода говорится, что когда Моисей спустился с горы Синай со скрижалями, иудеям было трудно смотреть в его лицо. В этом месте в Библии употреблено слово, которое с иврита можно перевести и как «лучи», и как «рога». Однако по контексту однозначно можно сказать, что речь идёт именно о лучах света — что лицо Моисея сияло, а не было рогато.

Идеальный Давид из испорченного мрамора.

 

fullsize[3].jpg

 

Микеланджело Буанаротти, «Давид», 1501-1504 г.


   Знаменитая статуя Давида была сделана Микеланджело из куска белого мрамора, оставшегося от другого скульптора, Агостино ди Дуччо, который безуспешно пытался с этим куском работать, а потом бросил его.
Кстати, Давид, веками считавшийся образцом мужской красоты, не так уж и совершенен. Дело в том, что он косоглаз. К такому выводу пришел американский ученый Марк Ливой из Стэнфордского университета, обследовавший статую с помощью лазерно-компьютерной техники. «Дефект зрения» более чем пятиметровой скульптуры незаметен, поскольку она водружена на высокий пьедестал. По мнению экспертов, Микеланджело намеренно наделил свое детище этим недостатком, поскольку желал, чтобы профиль Давида выглядел идеально с любой стороны

 

 

Руки Венеры Милосской.

 

fullsize 1.jpg

 

Агесандр (?), «Венера Милосская», ок. 130-100 г. до н.э.


   Фигура Венеры занимает почетное место в парижском Лувре. Некий греческий крестьянин нашел ее в 1820 году на острове Милос. На момент обнаружения фигура была разломана на два больших фрагмента. В левой руке богиня держала яблоко, а правой придерживала падающее одеяние. Осознав историческую значимость этой древней скульптуры, офицеры французского военного флота распорядились увезти мраморное изваяние с острова. Когда Венеру тащили по скалам к ожидающему кораблю, между носильщиками произошла драка, и обе руки откололись. Усталые матросы наотрез отказались вернуться и поискать оставшиеся части.

Прекрасное несовершенство Ники Самофракийской.

 

fullsize 2.jpg

 

«Ника Самофракийская», II в. до н.э.


   Статую Ники нашел на острове Самофракия в 1863 году Шарль Шампуазо, французский консул и археолог. Высеченная из золотистого парийского мрамора статуя на острове венчала алтарь морских божеств. Исследователи считают, что неизвестный скульптор создал Нику во II веке до нашей эры в знак греческих морских побед. Руки и голова богини безвозвратно утрачены. Неоднократно предпринимались и попытки восстановить изначальное положение рук богини. Предполагают, что правая рука, поднятая вверх, держала кубок, венок или горн. Интересно, что многократные попытки восстановить руки статуи оказались безуспешны — все они портили шедевр. Эти неудачи заставляют признать: Ника прекрасна именно такой, совершенна в своем несовершенстве.

 

 

Секрет мраморной вуали.

 

fullsize 4.jpg

Рафаэль Монти, «Мраморная вуаль», середина XIX в.

   Когда смотришь на статуи, покрытые полупрозрачной мраморной вуалью, поневоле задумываешься о том, как такое вообще возможно сделать из камня. Все дело в особой структуре мрамора, использовавшегося для этих скульптур. Глыба, которой предстояло стать изваянием, должна была иметь два слоя — один более прозрачный, другой более плотный. Такие природные камни сложно найти, но они есть. У мастера был сюжет в голове, он знал, какую именно глыбу ищет. Он работал с ней, соблюдая текстуру нормальной поверхности, и шел по границе, разделяющей более плотную и более прозрачную часть камня. В итоге остатки этой прозрачной части «просвечивали», что и давало эффект вуали.

Цветная Античность.

 

fullsize 5.jpg

«Август из Прима-Порта», античная статуя.

   Долгое время считалось, что древнегреческие и древнеримские скульптуры из белого мрамора были изначально бесцветными. Однако недавние исследования учёных подтвердили гипотезу, что статуи раскрашивались в широкую гамму цветов, которые со временем исчезли под длительным воздействием света и воздуха.

 

 

С сайта: http://obiskusstve.com/509817378566047797/10-tajn-znamenityih-skulptur/?utm_source=mailru&utm_medium=email&utm_campaign=daily&utm_content=button

 

 

СМОТРИТЕ ТАКЖЕ: "ДЕСЯТЬ ТАЙН ЗНАМЕНИТЫХ КАРТИН".

 

 

 

 

В начало                                                                                                                                                                           Вернуться на страницу

 

 

 

  

 

 Дата создания сайта 11.07.2009 года.

 Последнее обновление страницы 19.09.2016 года.